TAM Cinema is a moving image series screened at Tacoma Art Museum. Films are conceptually tied to current TAM exhibitions and features guest curators.
En la Mira: Contemporary Latin American Video
July – December, 2026
Curated by Jairo Hoyos Galvis
On view daily in the Haub Orientation Space
En la Mira: Contemporary Latin American Video is a six-part film series, presenting 18 works from contemporary artists on view daily in the Haub Orientation Space
En la mira is a video art exhibition presented as part of the TAM Cinema series that will be on view from July through December 2026. This exhibition aims to offer a side view of a selection of current video art practices by Latin American artists.
En la mira seeks to interrupt normative representations of Latin American culture and resist the flattening effects of geopolitical, cultural, and aesthetic homogenization. Rather than proposing a unified narrative, En la mira stages moments of exposure by presenting monthly constellations of distinct yet resonant artistic perspectives.
This exhibition positions that, as adopted by the artists on view, these perspectives unsettle the conventional boundaries that divide, for instance, past and present, land and nation, nature and technology. En la mira invites viewers to reflect on how visual culture can reframe memory, disarticulate borders, and imagine new modes of being, seeing, and belonging.
As presented in this exhibition, artists from Mexico, Chile, Colombia, Peru, and Brazil, born between 1987 and 1997, reimagine the medium of video as a site of inquiry, where fragmented timelines and contested spaces interrogate nation-centered identities, while speculating on future scenarios that have not been rendered.
Each month centers on a distinct topic:
This series of constellations encourages us to face head on the images before us. In other words, we invite you to search for that which remains hidden or forgotten yet remains, quite literally, in sight. In Spanish, this translates to en la mira.
—Jairo Hoyos Galvis
July – Digital Times
- Featuring Ileana Moreno, Ivo Loyola, and Israel Urmeer
Ileana Moreno
Kowatl y el mejor amigo del Sol (Sun’s Best Friend), 2021
HD Video
4:33 minutes
Music by Mischa Ovtchinnikov
Courtesy of the artist
→ Ileana Moreno Artist bio
SPAN: Nacida en CDMX, MEX en 1989. Licenciada en Artes Visuales en la Facultad de Arte y Diseño, Universidad Nacional Autónoma de México, UNAM, MEX (2013-2017) y Formación en Historia del Arte UNAM (2010-2012). Ha participado en residencias artísticas en EE.UU. y México. Su trabajo ha sido expuesto en México, EE.UU., Japón y Alemania. Forma parte de colecciones privadas en México, y ha recibido múltiples premios y reconocimientos a lo largo de su trayectoria. Ha sido becaria de Jóvenes Creadores 2022-2023.
Actualmente estudia la Maestría en Artes Visuales en el campo disciplinar de Pintura en el Programa de posgrado en Artes y Diseño de la UNAM. Vive y trabaja en la Ciudad de México, MEX. Su trabajo se compone de una colección de propuestas visuales que exploran relaciones entre objetos simbólicos-mitológicos y analogías que toman referentes visuales pertenecientes al imaginario pop de diferentes décadas y culturas. Sus obras son alegorías que se resignifican a través de yuxtaposiciones de valores formales y plásticos, motivos religiosos o espirituales que resignifican la historia que los constituye.
ENG: Born in Mexico City, Mexico, in 1989, she holds a B.A. in Visual Arts from the Faculty of Arts and Design at the National Autonomous University of Mexico (UNAM) (2013–2017) and completed coursework in Art History at the same institution (2010–2012). She has participated in artistic residencies in the United States and Mexico. Her work has been exhibited in Mexico, the United States, Japan, and Germany, and is included in private collections in Mexico. Throughout her career, she has received numerous awards and distinctions, including the Jóvenes Creadores Fellowship (2022–2023).
She is pursuing an M.A. in Visual Arts, specializing in Painting, within UNAM’s Graduate Program in Arts and Design. She lives and works in Mexico City. Her artistic practice consists of visual works that explore the relationships between symbolic and mythological objects, as well as analogies drawn from references from world pop culture. Her works are allegories whose meanings are transformed through the juxtaposition of both formal and material qualities and religious and spiritual motifs, reimagining the histories that formed them.
Ivo Loyola
Es todo un honor camarada, 2026
Animated video
5:31 minutes
Courtesy of the artist
→ Ivo Loyola Artist bio
SPAN: Ivo Loyola estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Ha expuesto en Ciudad de México, España y EE.UU. Su trabajo se centra en la videoinstalación e integra escultura, imaginando qué sucede en los mundos cuando dejan de ser habitados y cómo lo que permanece manifiesta una existencia propia. Vive y trabaja en la Ciudad de México.
ENG: Ivo Loyola studied at the National School of Painting, Sculpture and Printmaking “La Esmeralda.” He has exhibited in Mexico, Spain, and the U.S. His work centers on video installation and incorporates sculpture, imagining what happens in worlds once they cease to be inhabited and how what remains manifests an existence of its own. He lives and works in Mexico City.
Israel Urmeer
¡POPOP! Un extraño cristal
Animated video
4:04 minutes
Courtesy of the artist
→ Israel Urmeer Artist Bio
SPAN: Urmeer es un artista multidisciplinario, cuya obra incorpora el humor, lo tierno y lo siniestro en narrativas no lineales atravesadas por una percepción geológica afectada por la influencia omnipresente de la cultura de masas, la cual moldea nuestra forma de entender el mundo, el entorno y la experiencia cotidiana.
Su trabajo se ha presentado en importantes instituciones y espacios como el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, la XX Bienal Rufino Tamayo, el Museo de Arte Moderno (Ciudad de México), la XIV Bienal do Mercosul, el Museo de Arte Carrillo Gil, el Palais de Tokyo, Kurimanzutto, SAPS y CAPC Bordeaux, entre otros.
Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM (2012–2016). Posteriormente cursó el Programa Educativo SOMA (2018–2020) y la Skowhegan School of Painting & Sculpture (2022). Fue integrante de la colectividad artística Biquini Wax EPS (2012–2025) y ha colaborado con artistas como Ileana Moreno y Vanebon.
ENG: Urmeer is a multidisciplinary artist, whose work incorporates humor, cuteness, and the uncanny into non-linear narratives shaped by a geological sensibility influenced by the pervasive presence of mass culture, which informs the ways we understand the world, our surroundings, and everyday experience.
His work has been presented at major institutions and venues, including the Museo Rufino Tamayo, the 20th Rufino Tamayo Biennial, the Museum of Modern Art (Mexico City), the 14th Mercosur Biennial, the Carrillo Gil Art Museum, the Palais de Tokyo, Kurimanzutto (Mexico City), SAPS, and CAPC Bordeaux, among others.
He earned a B.A. in Visual Arts from the Faculty of Arts and Design at UNAM (2012–2016). He later attended the SOMA Educational Program (2018–2020) and the Skowhegan School of Painting & Sculpture (2022). He was a member of the artist collective Biquini Wax EPS (2012–2025) and has collaborated with artists such as Ileana Moreno and Vanebon.
August – Lodging the Past
- Featuring Julieta Gil, Chantal Peñalosa Fong, and Rubén Ojeda Guzmán
Julieta Gil
Memory Palace, 2023
HD video
10 minutes
Courtesy of the artist and Campeche, Mexico City
→ Julieta Gil Artist bio
SPAN: Julieta Gil explora las relaciones entre memoria, materialidad y espacio público. Su interés reciente se enfoca en documentar sitios donde narrativas impuestas se confrontan con formas colectivas de contar y recordar. A través de diversos medios como video, instalación, simulación 3D, performance y escultura, Gil transporta el espacio físico al digital y viceversa. Durante este proceso, desarrolla metodologías que registran la interacción de su cuerpo con ambos entornos. Gil busca crear nuevos archivos y medios de memoria que visibilizan la ficción como un agente principal y una herramienta de transformación social.
Julieta Gil es una artista visual egresada de la maestría en Arte y Nuevos Medios por la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA Media Arts) y licenciada en Arquitectura por la Universidad Iberoamericana. Su obra se ha mostrado en instituciones nacionales e internacionales entre las cuales destacan: Nevada Museum of Art (Reno, NV), Palm Springs Art Museum (Palm Springs, CA), SCAD Museum of Art (Savannah, GA), Storefront for Art and Architecture (Nueva York, NY), Museo Tamayo (Ciudad de México), Laboratorio Arte Alameda (Ciudad de México), Centro de Cultura Digital (Ciudad de México), entre otras. Forma parte de la colección permanente del Victoria and Albert Museum en Londres, y el Nevada Museum of Art. Fue docente de la facultad de Diseño y Arte en Nuevos Medios en UCLA así como en la facultad de Arte de la Universidad de Oregón. Fue becaria del programa Jóvenes Creadores (FONCA) en su emisión 2015-2016. En 2020, obtuvo el premio Lumen Prize for Art and Technology por su proyecto titulado “Nuestra Victoria”, imaginado como respuesta a la censura del estado hacia un monumento que fungió como sitio de ocupación y protesta por parte de colectivas feministas.
ENG: Julieta Gil explores relationships between memory, materiality, and public space. Her recent work focuses on documenting sites where imposed narratives confront collective forms of storytelling and remembering. Through a wide range of media — such as video, installation, 3D simulation, performance, and sculpture — Gil transports physical space into the digital realm and vice versa. In this process, she develops methodologies to record her bodily interaction with both environments. Gil creates new archives and mediums of memory, using fiction as both a primary agent and a tool for social transformation.
Julieta Gil is a visual artist with a Master’s degree in Art and New Media from the University of California, Los Angeles (UCLA Media Arts) and a Bachelor’s degree in Architecture from the Universidad Iberoamericana in Mexico City. Gil’s work has been exhibited in national and international institutions such as: Nevada Museum of Art (Reno, NV), Palm Spring Art Museum (Palm Springs, CA), SCAD Museum of Art (Savannah, GA), Storefront for Art and Architecture (New York, NY), Museo Tamayo (Mexico City), Laboratorio Arte Alameda (Mexico City), Centro de Cultura Digital (Mexico City), among other institutions. She has been a lecturer for UCLA’s Media Arts program and Art & Tech Visiting Professor within the Department of Art at the University of Oregon. Her work is part of the permanent collections of the Victoria and Albert Museum in London, and the Nevada Museum of Art. In 2020, Gil received the Lumen Prize for Art and Technology for her project “Nuestra Victoria”, envisioned as a response to government censorship around a prominent monument in Mexico City, which served as a site of protest and intervention by feminist groups.
Chantal Peñalosa Fong
Love Letters to Xin Xin, 2025
Video 4K
17:18 minutes
Courtesy of the artist and Proyectos Monclova
→ Chantal Peñalosa Fong Artist bio
SPAN: Chantal Peñalosa Fong es una artista multidisciplinaria que vive en Nueva York. Su trabajo en video, fotografía, escultura, instalación, escritura y performance investiga historias que trascienden las narrativas oficiales. Arraigada en la región fronteriza entre Estados Unidos y México, su práctica se basa en los archivos, las visitas a lugares específicos, la colaboración y las investigaciones biográficas para hacer tangible aquello que ha permanecido invisible. Sus proyectos recientes examinan los entramados entre Oriente y Occidente a partir de la migración, las historias fronterizas, la historia del arte y los procesos de intercambio cultural. Peñalosa Fong vive lo geopolítico desde la intimidad.
Es licenciada en Artes Visuales por la Universidad Autónoma de Baja California, en Tijuana, México, y la Universidade de São Paulo, en Brasil. Entre sus exposiciones individuales recientes se encuentran Cuentos de Presagio / Loom Tales, Museo de Arte de Zapopan, Zapopan, México (2025); Haunted, Kittredge Gallery, Tacoma, Washington (2025); Otros cuentos fantasmas, Museo Amparo, Puebla, México (2024); Ghost Stories / Cuentos de fantasmas, Proyectos Monclova, Ciudad de México (2023); Atlas Western, CEINA, Santiago, Chile (2023); Another Million Moments, Centro de las Artes Nave Generadores, Monterrey, México (2022); y una presentación individual en el MUAC, Ciudad de México (2021).
Su obra también se ha presentado en instituciones como Americas Society, Nueva York (2024); Fondazione Prada, Venecia (2023); Museo Jumex, Ciudad de México (2021); y M HKA, Amberes (2019). Su práctica ha sido incluida en las publicaciones Prime: Art’s Next Generation (Phaidon, 2022), Transnational Belonging and Female Agency in the Arts (Bloomsbury, 2023) y Chantal Peñalosa: A Universe On The Line (ESPAC, 2024). Participó en el Independent Study Program (ISP) del Whitney Museum of American Art, en Nueva York, durante el año académico 2024–2025. Peñalosa Fong es docente de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Baja California, en Tijuana, y la artista en residencia de Asia Art Archive en Nueva York para 2026.
Chantal Peñalosa Fong is a multidisciplinary artist based in New York City. Working across video, photography, sculpture, installation, writing, and performance, she investigates histories beyond official narratives. Rooted in the US–Mexico border, her practice draws from archives, site visits, collaboration, and biographical research to make the unseen tangible. Her recent projects trace the entanglements between East and West through migration, border histories, art history, and processes of cultural exchange. Peñalosa Fong lives the geopolitical with intimacy.
ENG: She holds a B.A. in Visual Arts from the Universidad Autónoma de Baja California, Tijuana, Mexico, and the Universidade de São Paulo, Brazil. Recent solo exhibitions include Cuentos de Presagio / Loom Tales, Museo de Arte de Zapopan, Zapopan, Mexico (2025); Haunted, Kittredge Gallery, Tacoma, Washington (2025); Otros cuentos fantasmas, Museo Amparo, Puebla, Mexico (2024); Ghost Stories / Cuentos de fantasmas, Proyectos Monclova, Mexico City (2023); Atlas Western, CEINA, Santiago, Chile (2023); Another Million Moments, Centro de las Artes Nave Generadores, Monterrey, Mexico (2022); and a solo presentation at MUAC, Mexico City (2021).
Her work has also been presented at institutions including Americas Society, New York (2024); Fondazione Prada, Venice (2023); Museo Jumex, Mexico City (2021); and M HKA, Antwerp (2019). Her practice has been featured in the publications Prime: Art’s Next Generation (Phaidon, 2022), Transnational Belonging and Female Agency in the Arts (Bloomsbury, 2023), and Chantal Peñalosa: A Universe On The Line (ESPAC, 2024). She participated in the Independent Study Program (ISP) at the Whitney Museum of American Art, New York (2024–2025). Peñalosa Fong is a faculty member in the School of Arts at the Universidad Autónoma de Baja California in Tijuana and the 2026 artist-in-residence at Asia Art Archive in New York.
Rubén Ojeda Guzmán
Madream, 2023
HD video
3:37 minutes
Camera: Abdiel Segarra
Courtesy of the artist
→ Rubén Ojeda Guzmán Artist Bio
SPAN: Su enfoque creativo se fundamenta en la idea de que el arte es, esencialmente, un gesto de provocación. Tras diez años analizando visualmente la corrupción en México, se trasladó a Europa en 2019 para participar en el programa Air-Montreux en Suiza. Más tarde, se estableció en Madrid para cursar el Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual, realizado junto al Museo Reina Sofía.
Sus investigaciones actuales exploran la pólvora y el humo como símbolos de estados de excepción. A través de un diálogo con la contracultura, las vanguardias y lo popular, altera relatos y arquitecturas para invocar imaginarios de urgencia. Ha realizado acciones pirotécnicas en sitios de alto valor simbólico, tales como la Chiesa di Santa Sofia y el Teatro Pirandello en Sicilia; el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca; la Embajada de México en España; y la antigua casa de Diego Rivera. Ha sido residente en la Real Academia de España en Roma, la Fundación Silos, el Centro Huarte y la Casa de México en España. Su producción ha contado con el apoyo del Ministerio de Cultura, Tabacalera y la Unión Europea. Entre sus galardones destacan el XXXVI Premio Circuitos de Artes Plásticas, una mención de Boom Art Community, el apoyo CONACYT/CULTURA, la beca Jóvenes Creadores del FONCA y el Premio Sala Joven del Museo de los Pintores Oaxaqueños. Ha expuesto individualmente en el Museo de los Pintores Oaxaqueños, Pradiauto Art Office y el Instituto Cultural de México en España, además de colaborar en proyectos de la Colección FEMSA, Casa del Lago y Agrigento Capitale Italiana della Cultura.
ENG: His artistic practice is rooted in the belief that art is, at its core, a gesture of provocation. After spending a decade visually examining corruption in Mexico, he moved to Europe in 2019 to participate in the Air-Montreux program in Switzerland. He later relocated to Madrid to pursue a master’s degree in Contemporary Art History and Visual Culture, offered in collaboration with the Museo Reina Sofía.
His current research explores gunpowder and smoke as symbols of states of exception. Through a dialogue with counterculture, the historical avant-gardes, and popular culture, he alters narratives and architectural environments to invoke imaginaries of urgency. He has carried out pyrotechnic actions at sites of high symbolic value, including the Chiesa di Santa Sofia and the Teatro Pirandello in Sicily; the Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca; the Embajada de México en España; and the former home of Diego Rivera.
He has completed residencies at the Real Academia de España en Roma, Fundación Silos, Centro Huarte, and Casa de México en España. His work has received support from the Ministerio de Cultura, Tabacalera, and the Unión Europea. His accolades include the XXXVI Premio Circuitos de Artes Plásticas, an honorable mention from Boom Art Community, support from CONACYT/CULTURA, a Jóvenes Creadores fellowship from FONCA, and the Premio Sala Joven from the Museo de los Pintores Oaxaqueños. He has held solo exhibitions at the Museo de los Pintores Oaxaqueños, Pradiauto Art Office, and the Instituto Cultural de México en España, in addition to collaborating on projects with the Colección FEMSA, Casa del Lago, and Agrigento Capitale Italiana della Cultura.
September- Undoing Nation
- Featuring Néstor Jiménez, Sbethlanna González, and Fernando Gress Muñoz y Alicia Valladares
Néstor Jiménez
Como perros los voy a tratar…, 2012
Video HD
5:41 minutes
Courtesy of the artist
→ Néstor Jiménez Artist Bio
SPAN: Néstor Jiménez es un artista visual egresado de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Su trabajo aborda la relación entre los procesos de construcción de memoria histórica y política a partir de ejercicios de memoria, acciones reconstruidas y versiones inventadas de los sucesos históricos. Realiza pinturas sobre materiales recuperados y residuales, provenientes de vivienda popular, que plantean versiones distorsionadas de la arquitectura y el paisaje de la zona como puntos de partida para reflexionar acerca de la función política de la representación del territorio así como las diferentes formas en que la violencia estructural es representada. Su trabajo principalmente se desarrolla en la pintura, el dibujo, el video y la instalación.
Ha participado en bienales de carácter nacional e internacional como la XV Bienal FEMSA, XVI Bienal de Lyon y la XIV Bienal de La Habana y ha sido beneficiario de la Sexta Edición del Programa BBVA Bancomer-MACG, Jóvenes Creadores FONCA 2020-2021, 2011-2012 y 2015-2016, PECDA CDMX 2018. Ha expuesto de manera individual y colectiva en muestras como Uno entre millones, Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC, CDMX; Blue Noise Spectrum, Erarta Museum, San Petersburgo; México Bárbaro, Sala de Arte Público Siqueiros, CDMX; La importancia de ser autosuficiente, Proyectos Monclova, CDMX; Fútbol y Arte: Esa misma emoción, Museo Jumex, CDMX; Parasitage: Ruidos Negros, Museo de Arte Carrillo Gil, CDMX.
Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.
ENG: Néstor Jiménez is a visual artist and a graduate of the Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda.” His work explores the relationship between processes of historical and political memory construction through exercises in memory, reconstructed actions, and invented versions of historical events. He creates paintings on reclaimed and residual materials sourced from working-class housing, presenting distorted versions of the architecture and landscape of the area as points of departure for reflecting on the political function of the representation of territory, as well as the different ways in which structural violence is represented. His practice primarily encompasses painting, drawing, video, and installation.
He has participated in national and international biennials, including the 15th FEMSA Biennial, the 16th Lyon Biennale, and the 14th Havana Biennial, and has been a recipient of the sixth edition of the BBVA Bancomer-MACG Program, Jóvenes Creadores FONCA 2020-2021, 2011-2012, and 2015-2016, and PECDA CDMX 2018. He has exhibited individually and collectively in exhibitions such as Uno entre millones at the Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), Mexico City; Blue Noise Spectrum at the Erarta Museum, St. Petersburg; México Bárbaro at the Sala de Arte Público Siqueiros, Mexico City; La importancia de ser autosuficiente at Proyectos Monclova, Mexico City; Fútbol y Arte: Esa misma emoción at Museo Jumex, Mexico City; and Parasitage: Ruidos Negros at the Museo de Arte Carrillo Gil, Mexico City.
He is currently a member of Mexico’s Sistema Nacional de Creadores de Arte.
Sbethlanna González
El reclamo de las aves, 2022
Video
17:18 minutes
Courtesy of the artist
Sbethlanna González Artist Bio
SPAN: Sbethlanna González nació en Ciudad de México en 1992. Su principal interés radica en el impacto del desarrollo tecnológico en la vida cotidiana y en la manera en la que nos relacionamos con el tiempo. En su producción reciente explora las aplicaciones de la energía atómica y de los elementos radiactivos en objetos de uso doméstico y comercial, así como en la agricultura y en sus representaciones en los medios de comunicación masiva. Utiliza la ficción para explorar cómo los grandes acontecimientos científicos han afectado nuestras expectativas del futuro, haciendo énfasis en los aspectos invisibilizados por cuestiones tanto de clase como de género.
Sbethlanna también cuestiona las narrativas antropocéntricas propias del siglo XX, preguntándose constantemente por los seres vivos no humanos, que muchas veces son los protagonistas de sus obras. Sus exploraciones en cerámica y pintura están relacionadas con el papel de la mano de obra femenina y artesanal en los procesos industriales. La artista se apropia de imágenes audiovisuales y de archivo para explorar las interpretaciones políticas del imaginario colectivo y las tensiones en torno a cómo se construye la memoria.
ENG: Sbethlanna González was born in Mexico City in 1992. Her primary interest lies in the impact of technological development on everyday life and in the ways we relate to time. In her recent work, she explores the applications of atomic energy and radioactive elements in domestic and commercial objects, as well as in agriculture and in their representations in mass media. She uses fiction to examine how major scientific developments have shaped our expectations of the future, emphasizing aspects that have been rendered invisible by issues of both class and gender. Sbethlanna also questions the anthropocentric narratives characteristic of the twentieth century, continually turning her attention to nonhuman living beings, which often become the protagonists of her works. Her explorations in ceramics and painting are related to the role of female and artisanal labor in industrial processes. The artist appropriates audiovisual and archival images to explore the political interpretations of the collective imagination and the tensions surrounding how memory is constructed.
Fernando Gress Muñoz y Alicia Valladares
Quema de obra nacional, 2024
Performance action
iPhone video streamed on Instagram
23:13 minutes
Courtesy of the artists
→ Fernando Gress Muñoz y Alicia Valladares Artist Bio
SPAN: Fernando Gress Muñoz (Atotonilco el Grande, Hidalgo, 1997) es un artista autodidacta que trabaja principalmente con escultura, dibujo, pintura y medios alternativos. Vivió en Florida, Estados Unidos, hasta los quince años, una experiencia que influyó en sus referentes artísticos y en su estética visual. Dentro de su práctica incorpora el uso de materiales encontrados y reciclados, destacando la copia y el plagio desde el cinismo y el consumismo propios del mundo del arte contemporáneo. Ha realizado prácticas profesionales en el Museo de la Ciudad de Querétaro y también ha impartido talleres en el Museo Jumex.
Ha participado en exposiciones nacionales como “El fin de lo maravilloso” (Museo Universitario del Chopo, 2023) y “Granja” (Museo de Arte de Zapopan, 2024). En la edición de 2024 de los Premios Gorrita Azul, recibió, junto con Alicia Valladares, el premio a la mejor exposición colectiva por “Buenas Intenciones”. Gress Muñoz es el fundador del proyecto bexpo en Instagram (@bexp0), un proyecto que organiza y gestiona exposiciones itinerantes y eventos en sedes tanto físicas como digitales, en torno a la colaboración y al intercambio de posturas entre distintas generaciones, desde 2019. Vive y trabaja en Ciudad de México desde 2021.
Alicia Valladares (Querétaro, México, 1997) es artista visual y gestora cultural con sede en la Ciudad de México. Es licenciada en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (2017–2021), donde obtuvo excelencia académica. Realizó prácticas profesionales en el Museo de Arte Moderno (MAM) y cuenta con formación complementaria en Negocios del Arte por la Universidad Iberoamericana, así como un diplomado en Creación Literaria por el Colegio de Escritores de Latinoamérica.
En 2021, fundó Sucesiva, plataforma y proyecto independiente enfocado en artistas emergentes y de mediana carrera, desde donde ha desarrollado proyectos curatoriales y de gestión cultural. Ese mismo año formó parte del programa de residencias en Proyectos Multipropósito. Su trabajo ha sido exhibido en diversos espacios en México y el extranjero, incluyendo el Museo Universitario del Chopo, el Museo de Arte de Zapopan, así como galerías y espacios independientes en Berlín, Moscú, Bogotá y Kansas City.
Ha participado en exposiciones colectivas como “El fin de lo maravilloso” (Museo Universitario del Chopo), “Nuevo contrato estético” (Galería Peana) y “Pixel Perspektiven” (Schaufenster, Berlín), entre otras. En 2024 fue galardonada en los Premios Gorrita Azul por la mejor exposición colectiva (“Buenas Intenciones”) y ha sido invitada a impartir ponencias y actividades académicas en instituciones como la Universidad del Claustro de Sor Juana y el Museo Universitario del Chopo. Actualmente desarrolla su práctica artística en diálogo con su labor curatorial y de gestión, colaborando con distintos espacios y proyectos a nivel nacional e internacional.
ENG: Fernando Gress Muñoz (Atotonilco el Grande, Hidalgo, 1997) is a self-taught artist who works primarily in sculpture, drawing, painting, and alternative media. He lived in Florida, United States, until the age of fifteen, an experience that influenced his artistic references and visual aesthetic. His practice incorporates found and recycled materials and foregrounds copying and plagiarism through the cynicism and consumerism characteristic of the contemporary art world. He has completed professional internships at the Museo de la Ciudad de Querétaro and has also taught workshops at Museo Jumex.
He has participated in national exhibitions including El fin de lo maravilloso at the Museo Universitario del Chopo in 2023 and Granja at the Museo de Arte de Zapopan in 2024. At the 2024 Premios Gorrita Azul, he and Alicia Valladares received the award for best group exhibition for Buenas Intenciones. Gress Muñoz is the founder of bexpo on Instagram (@bexp0), a project that has organized and managed traveling exhibitions and events in both physical and digital venues since 2019. The project centers on collaboration and the exchange of perspectives among different generations. He has lived and worked in Mexico City since 2021.
Alicia Valladares (Querétaro, Mexico, 1997) is a visual artist and cultural manager based in Mexico City. She holds a degree in Visual Arts from the Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (2017–2021), where she graduated with academic distinction. She completed professional internships at the Museo de Arte Moderno (MAM) and pursued additional studies in Art Business at Universidad Iberoamericana, as well as a diploma in Creative Writing from the Colegio de Escritores de Latinoamérica.
In 2021, she founded Sucesiva, an independent platform and project focused on emerging and mid-career artists, through which she has developed curatorial and cultural-management projects. That same year, she participated in the residency program at Proyectos Multipropósito. Her work has been exhibited in a range of institutions and independent spaces in Mexico and abroad, including the Museo Universitario del Chopo, the Museo de Arte de Zapopan, and galleries and independent venues in Berlin, Moscow, Bogotá, and Kansas City.
She has participated in group exhibitions including El fin de lo maravilloso at the Museo Universitario del Chopo, Nuevo contrato estético at Galería Peana, and Pixel Perspektiven at Schaufenster in Berlin, among others. In 2024, she received the Premios Gorrita Azul award for best group exhibition for Buenas Intenciones. She has also been invited to deliver lectures and participate in academic activities at institutions including the Universidad del Claustro de Sor Juana and the Museo Universitario del Chopo. She currently develops her artistic practice in dialogue with her curatorial and cultural-management work, collaborating with a range of spaces and projects nationally and internationally.
October – Territorial Crossings
- Eblin Grueso
- “Resistiendo”
- Ana Hernández
- “Ladi Beñe”
- Julieth Morales
- “Resistencia”
November – Tracing Reinvention
- Andres Quintero
- “Viaje a la luna con olor a oveja”
- Isadora Soares Belletti
- “Do you see her?”
- Felipe Lozano
December – Not so Natural
- Wendy Cabrera Rubio
- “Resurrecting the Past: Animality and Chemical Ethics”
- Ivana de Vivanco
- “La Yegua de Santiago”
- Lucas Lugarinho
- “Ghost Rococó”
TAM Cinema is a free event, but donations are welcome.