TAM Cinema is a moving image series screened at Tacoma Art Museum. Films are conceptually tied to current TAM exhibitions and features guest curators.
TAM Cinema is a free event, but donations are welcome.
En la Mira: Contemporary Latin American Video
July – December, 2026
Curated by Jairo Hoyos Galvis
On view daily in the Haub Orientation Space
En la Mira: Contemporary Latin American Video is a six-part film series, presenting 18 works from contemporary artists on view daily in the Haub Orientation Space
En la mira is a video art exhibition presented as part of the TAM Cinema series that will be on view from July through December 2026. This exhibition aims to offer a side view of a selection of current video art practices by Latin American artists.
En la mira seeks to interrupt normative representations of Latin American culture and resist the flattening effects of geopolitical, cultural, and aesthetic homogenization. Rather than proposing a unified narrative, En la mira stages moments of exposure by presenting monthly constellations of distinct yet resonant artistic perspectives.
This exhibition positions that, as adopted by the artists on view, these perspectives unsettle the conventional boundaries that divide, for instance, past and present, land and nation, nature and technology. En la mira invites viewers to reflect on how visual culture can reframe memory, disarticulate borders, and imagine new modes of being, seeing, and belonging.
As presented in this exhibition, artists from Mexico, Chile, Colombia, Peru, and Brazil, born between 1987 and 1997, reimagine the medium of video as a site of inquiry, where fragmented timelines and contested spaces interrogate nation-centered identities, while speculating on future scenarios that have not been rendered.
Each month centers on a distinct topic:
This series of constellations encourages us to face head on the images before us. In other words, we invite you to search for that which remains hidden or forgotten yet remains, quite literally, in sight. In Spanish, this translates to en la mira.
—Jairo Hoyos Galvis
July – Digital Times
- Featuring Ileana Moreno, Ivo Loyola, and Israel Urmeer
Ileana Moreno
Kowatl y el mejor amigo del Sol (Sun’s Best Friend), 2021
HD Video
4:33 minutes
Music by Mischa Ovtchinnikov
Courtesy of the artist
→ Ileana Moreno Artist bio
SPAN: Nacida en CDMX, MEX en 1989. Licenciada en Artes Visuales en la Facultad de Arte y Diseño, Universidad Nacional Autónoma de México, UNAM, MEX (2013-2017) y Formación en Historia del Arte UNAM (2010-2012). Ha participado en residencias artísticas en EE.UU. y México. Su trabajo ha sido expuesto en México, EE.UU., Japón y Alemania. Forma parte de colecciones privadas en México, y ha recibido múltiples premios y reconocimientos a lo largo de su trayectoria. Ha sido becaria de Jóvenes Creadores 2022-2023.
Actualmente estudia la Maestría en Artes Visuales en el campo disciplinar de Pintura en el Programa de posgrado en Artes y Diseño de la UNAM. Vive y trabaja en la Ciudad de México, MEX. Su trabajo se compone de una colección de propuestas visuales que exploran relaciones entre objetos simbólicos-mitológicos y analogías que toman referentes visuales pertenecientes al imaginario pop de diferentes décadas y culturas. Sus obras son alegorías que se resignifican a través de yuxtaposiciones de valores formales y plásticos, motivos religiosos o espirituales que resignifican la historia que los constituye.
ENG: Born in Mexico City, Mexico, in 1989, she holds a B.A. in Visual Arts from the Faculty of Arts and Design at the National Autonomous University of Mexico (UNAM) (2013–2017) and completed coursework in Art History at the same institution (2010–2012). She has participated in artistic residencies in the United States and Mexico. Her work has been exhibited in Mexico, the United States, Japan, and Germany, and is included in private collections in Mexico. Throughout her career, she has received numerous awards and distinctions, including the Jóvenes Creadores Fellowship (2022–2023).
She is pursuing an M.A. in Visual Arts, specializing in Painting, within UNAM’s Graduate Program in Arts and Design. She lives and works in Mexico City. Her artistic practice consists of visual works that explore the relationships between symbolic and mythological objects, as well as analogies drawn from references from world pop culture. Her works are allegories whose meanings are transformed through the juxtaposition of both formal and material qualities and religious and spiritual motifs, reimagining the histories that formed them.
Ivo Loyola
Es todo un honor camarada, 2026
Animated video
5:31 minutes
Courtesy of the artist
→ Ivo Loyola Artist bio
SPAN: Ivo Loyola estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Ha expuesto en Ciudad de México, España y EE.UU. Su trabajo se centra en la videoinstalación e integra escultura, imaginando qué sucede en los mundos cuando dejan de ser habitados y cómo lo que permanece manifiesta una existencia propia. Vive y trabaja en la Ciudad de México.
ENG: Ivo Loyola studied at the National School of Painting, Sculpture and Printmaking “La Esmeralda.” He has exhibited in Mexico, Spain, and the U.S. His work centers on video installation and incorporates sculpture, imagining what happens in worlds once they cease to be inhabited and how what remains manifests an existence of its own. He lives and works in Mexico City.
Israel Urmeer
¡POPOP! Un extraño cristal
Animated video
4:04 minutes
Courtesy of the artist
→ Israel Urmeer Artist Bio
SPAN: Urmeer es un artista multidisciplinario, cuya obra incorpora el humor, lo tierno y lo siniestro en narrativas no lineales atravesadas por una percepción geológica afectada por la influencia omnipresente de la cultura de masas, la cual moldea nuestra forma de entender el mundo, el entorno y la experiencia cotidiana.
Su trabajo se ha presentado en importantes instituciones y espacios como el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, la XX Bienal Rufino Tamayo, el Museo de Arte Moderno (Ciudad de México), la XIV Bienal do Mercosul, el Museo de Arte Carrillo Gil, el Palais de Tokyo, Kurimanzutto, SAPS y CAPC Bordeaux, entre otros.
Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM (2012–2016). Posteriormente cursó el Programa Educativo SOMA (2018–2020) y la Skowhegan School of Painting & Sculpture (2022). Fue integrante de la colectividad artística Biquini Wax EPS (2012–2025) y ha colaborado con artistas como Ileana Moreno y Vanebon.
ENG: Urmeer is a multidisciplinary artist, whose work incorporates humor, cuteness, and the uncanny into non-linear narratives shaped by a geological sensibility influenced by the pervasive presence of mass culture, which informs the ways we understand the world, our surroundings, and everyday experience.
His work has been presented at major institutions and venues, including the Museo Rufino Tamayo, the 20th Rufino Tamayo Biennial, the Museum of Modern Art (Mexico City), the 14th Mercosur Biennial, the Carrillo Gil Art Museum, the Palais de Tokyo, Kurimanzutto (Mexico City), SAPS, and CAPC Bordeaux, among others.
He earned a B.A. in Visual Arts from the Faculty of Arts and Design at UNAM (2012–2016). He later attended the SOMA Educational Program (2018–2020) and the Skowhegan School of Painting & Sculpture (2022). He was a member of the artist collective Biquini Wax EPS (2012–2025) and has collaborated with artists such as Ileana Moreno and Vanebon.
August – Lodging the Past
- Featuring Julieta Gil, Chantal Peñalosa Fong, and Rubén Ojeda Guzmán
Julieta Gil
Memory Palace, 2023
HD video
10 minutes
Courtesy of the artist and Campeche, Mexico City
→ Julieta Gil Artist bio
SPAN: Julieta Gil explora las relaciones entre memoria, materialidad y espacio público. Su interés reciente se enfoca en documentar sitios donde narrativas impuestas se confrontan con formas colectivas de contar y recordar. A través de diversos medios como video, instalación, simulación 3D, performance y escultura, Gil transporta el espacio físico al digital y viceversa. Durante este proceso, desarrolla metodologías que registran la interacción de su cuerpo con ambos entornos. Gil busca crear nuevos archivos y medios de memoria que visibilizan la ficción como un agente principal y una herramienta de transformación social.
Julieta Gil es una artista visual egresada de la maestría en Arte y Nuevos Medios por la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA Media Arts) y licenciada en Arquitectura por la Universidad Iberoamericana. Su obra se ha mostrado en instituciones nacionales e internacionales entre las cuales destacan: Nevada Museum of Art (Reno, NV), Palm Springs Art Museum (Palm Springs, CA), SCAD Museum of Art (Savannah, GA), Storefront for Art and Architecture (Nueva York, NY), Museo Tamayo (Ciudad de México), Laboratorio Arte Alameda (Ciudad de México), Centro de Cultura Digital (Ciudad de México), entre otras. Forma parte de la colección permanente del Victoria and Albert Museum en Londres, y el Nevada Museum of Art. Fue docente de la facultad de Diseño y Arte en Nuevos Medios en UCLA así como en la facultad de Arte de la Universidad de Oregón. Fue becaria del programa Jóvenes Creadores (FONCA) en su emisión 2015-2016. En 2020, obtuvo el premio Lumen Prize for Art and Technology por su proyecto titulado “Nuestra Victoria”, imaginado como respuesta a la censura del estado hacia un monumento que fungió como sitio de ocupación y protesta por parte de colectivas feministas.
ENG: Julieta Gil explores relationships between memory, materiality, and public space. Her recent work focuses on documenting sites where imposed narratives confront collective forms of storytelling and remembering. Through a wide range of media — such as video, installation, 3D simulation, performance, and sculpture — Gil transports physical space into the digital realm and vice versa. In this process, she develops methodologies to record her bodily interaction with both environments. Gil creates new archives and mediums of memory, using fiction as both a primary agent and a tool for social transformation.
Julieta Gil is a visual artist with a Master’s degree in Art and New Media from the University of California, Los Angeles (UCLA Media Arts) and a Bachelor’s degree in Architecture from the Universidad Iberoamericana in Mexico City. Gil’s work has been exhibited in national and international institutions such as: Nevada Museum of Art (Reno, NV), Palm Spring Art Museum (Palm Springs, CA), SCAD Museum of Art (Savannah, GA), Storefront for Art and Architecture (New York, NY), Museo Tamayo (Mexico City), Laboratorio Arte Alameda (Mexico City), Centro de Cultura Digital (Mexico City), among other institutions. She has been a lecturer for UCLA’s Media Arts program and Art & Tech Visiting Professor within the Department of Art at the University of Oregon. Her work is part of the permanent collections of the Victoria and Albert Museum in London, and the Nevada Museum of Art. In 2020, Gil received the Lumen Prize for Art and Technology for her project “Nuestra Victoria”, envisioned as a response to government censorship around a prominent monument in Mexico City, which served as a site of protest and intervention by feminist groups.
Chantal Peñalosa Fong
Love Letters to Xin Xin, 2025
Video 4K
17:18 minutes
Courtesy of the artist and Proyectos Monclova
→ Chantal Peñalosa Fong Artist bio
SPAN: Chantal Peñalosa Fong es una artista multidisciplinaria que vive en Nueva York. Su trabajo en video, fotografía, escultura, instalación, escritura y performance investiga historias que trascienden las narrativas oficiales. Arraigada en la región fronteriza entre Estados Unidos y México, su práctica se basa en los archivos, las visitas a lugares específicos, la colaboración y las investigaciones biográficas para hacer tangible aquello que ha permanecido invisible. Sus proyectos recientes examinan los entramados entre Oriente y Occidente a partir de la migración, las historias fronterizas, la historia del arte y los procesos de intercambio cultural. Peñalosa Fong vive lo geopolítico desde la intimidad.
Es licenciada en Artes Visuales por la Universidad Autónoma de Baja California, en Tijuana, México, y la Universidade de São Paulo, en Brasil. Entre sus exposiciones individuales recientes se encuentran Cuentos de Presagio / Loom Tales, Museo de Arte de Zapopan, Zapopan, México (2025); Haunted, Kittredge Gallery, Tacoma, Washington (2025); Otros cuentos fantasmas, Museo Amparo, Puebla, México (2024); Ghost Stories / Cuentos de fantasmas, Proyectos Monclova, Ciudad de México (2023); Atlas Western, CEINA, Santiago, Chile (2023); Another Million Moments, Centro de las Artes Nave Generadores, Monterrey, México (2022); y una presentación individual en el MUAC, Ciudad de México (2021).
Su obra también se ha presentado en instituciones como Americas Society, Nueva York (2024); Fondazione Prada, Venecia (2023); Museo Jumex, Ciudad de México (2021); y M HKA, Amberes (2019). Su práctica ha sido incluida en las publicaciones Prime: Art’s Next Generation (Phaidon, 2022), Transnational Belonging and Female Agency in the Arts (Bloomsbury, 2023) y Chantal Peñalosa: A Universe On The Line (ESPAC, 2024). Participó en el Independent Study Program (ISP) del Whitney Museum of American Art, en Nueva York, durante el año académico 2024–2025. Peñalosa Fong es docente de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Baja California, en Tijuana, y la artista en residencia de Asia Art Archive en Nueva York para 2026.
Chantal Peñalosa Fong is a multidisciplinary artist based in New York City. Working across video, photography, sculpture, installation, writing, and performance, she investigates histories beyond official narratives. Rooted in the US–Mexico border, her practice draws from archives, site visits, collaboration, and biographical research to make the unseen tangible. Her recent projects trace the entanglements between East and West through migration, border histories, art history, and processes of cultural exchange. Peñalosa Fong lives the geopolitical with intimacy.
ENG: She holds a B.A. in Visual Arts from the Universidad Autónoma de Baja California, Tijuana, Mexico, and the Universidade de São Paulo, Brazil. Recent solo exhibitions include Cuentos de Presagio / Loom Tales, Museo de Arte de Zapopan, Zapopan, Mexico (2025); Haunted, Kittredge Gallery, Tacoma, Washington (2025); Otros cuentos fantasmas, Museo Amparo, Puebla, Mexico (2024); Ghost Stories / Cuentos de fantasmas, Proyectos Monclova, Mexico City (2023); Atlas Western, CEINA, Santiago, Chile (2023); Another Million Moments, Centro de las Artes Nave Generadores, Monterrey, Mexico (2022); and a solo presentation at MUAC, Mexico City (2021).
Her work has also been presented at institutions including Americas Society, New York (2024); Fondazione Prada, Venice (2023); Museo Jumex, Mexico City (2021); and M HKA, Antwerp (2019). Her practice has been featured in the publications Prime: Art’s Next Generation (Phaidon, 2022), Transnational Belonging and Female Agency in the Arts (Bloomsbury, 2023), and Chantal Peñalosa: A Universe On The Line (ESPAC, 2024). She participated in the Independent Study Program (ISP) at the Whitney Museum of American Art, New York (2024–2025). Peñalosa Fong is a faculty member in the School of Arts at the Universidad Autónoma de Baja California in Tijuana and the 2026 artist-in-residence at Asia Art Archive in New York.
Rubén Ojeda Guzmán
Madream, 2023
HD video
3:37 minutes
Camera: Abdiel Segarra
Courtesy of the artist
→ Rubén Ojeda Guzmán Artist Bio
SPAN: Su enfoque creativo se fundamenta en la idea de que el arte es, esencialmente, un gesto de provocación. Tras diez años analizando visualmente la corrupción en México, se trasladó a Europa en 2019 para participar en el programa Air-Montreux en Suiza. Más tarde, se estableció en Madrid para cursar el Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual, realizado junto al Museo Reina Sofía.
Sus investigaciones actuales exploran la pólvora y el humo como símbolos de estados de excepción. A través de un diálogo con la contracultura, las vanguardias y lo popular, altera relatos y arquitecturas para invocar imaginarios de urgencia. Ha realizado acciones pirotécnicas en sitios de alto valor simbólico, tales como la Chiesa di Santa Sofia y el Teatro Pirandello en Sicilia; el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca; la Embajada de México en España; y la antigua casa de Diego Rivera. Ha sido residente en la Real Academia de España en Roma, la Fundación Silos, el Centro Huarte y la Casa de México en España. Su producción ha contado con el apoyo del Ministerio de Cultura, Tabacalera y la Unión Europea. Entre sus galardones destacan el XXXVI Premio Circuitos de Artes Plásticas, una mención de Boom Art Community, el apoyo CONACYT/CULTURA, la beca Jóvenes Creadores del FONCA y el Premio Sala Joven del Museo de los Pintores Oaxaqueños. Ha expuesto individualmente en el Museo de los Pintores Oaxaqueños, Pradiauto Art Office y el Instituto Cultural de México en España, además de colaborar en proyectos de la Colección FEMSA, Casa del Lago y Agrigento Capitale Italiana della Cultura.
ENG: His artistic practice is rooted in the belief that art is, at its core, a gesture of provocation. After spending a decade visually examining corruption in Mexico, he moved to Europe in 2019 to participate in the Air-Montreux program in Switzerland. He later relocated to Madrid to pursue a master’s degree in Contemporary Art History and Visual Culture, offered in collaboration with the Museo Reina Sofía.
His current research explores gunpowder and smoke as symbols of states of exception. Through a dialogue with counterculture, the historical avant-gardes, and popular culture, he alters narratives and architectural environments to invoke imaginaries of urgency. He has carried out pyrotechnic actions at sites of high symbolic value, including the Chiesa di Santa Sofia and the Teatro Pirandello in Sicily; the Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca; the Embajada de México en España; and the former home of Diego Rivera.
He has completed residencies at the Real Academia de España en Roma, Fundación Silos, Centro Huarte, and Casa de México en España. His work has received support from the Ministerio de Cultura, Tabacalera, and the Unión Europea. His accolades include the XXXVI Premio Circuitos de Artes Plásticas, an honorable mention from Boom Art Community, support from CONACYT/CULTURA, a Jóvenes Creadores fellowship from FONCA, and the Premio Sala Joven from the Museo de los Pintores Oaxaqueños. He has held solo exhibitions at the Museo de los Pintores Oaxaqueños, Pradiauto Art Office, and the Instituto Cultural de México en España, in addition to collaborating on projects with the Colección FEMSA, Casa del Lago, and Agrigento Capitale Italiana della Cultura.
September – Undoing Nation
- Featuring Néstor Jiménez, Sbethlanna González, and Fernando Gress Muñoz y Alicia Valladares
Néstor Jiménez
Como perros los voy a tratar…, 2012
Video HD
5:41 minutes
Courtesy of the artist
→ Néstor Jiménez Artist Bio
SPAN: Néstor Jiménez es un artista visual egresado de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Su trabajo aborda la relación entre los procesos de construcción de memoria histórica y política a partir de ejercicios de memoria, acciones reconstruidas y versiones inventadas de los sucesos históricos. Realiza pinturas sobre materiales recuperados y residuales, provenientes de vivienda popular, que plantean versiones distorsionadas de la arquitectura y el paisaje de la zona como puntos de partida para reflexionar acerca de la función política de la representación del territorio así como las diferentes formas en que la violencia estructural es representada. Su trabajo principalmente se desarrolla en la pintura, el dibujo, el video y la instalación.
Ha participado en bienales de carácter nacional e internacional como la XV Bienal FEMSA, XVI Bienal de Lyon y la XIV Bienal de La Habana y ha sido beneficiario de la Sexta Edición del Programa BBVA Bancomer-MACG, Jóvenes Creadores FONCA 2020-2021, 2011-2012 y 2015-2016, PECDA CDMX 2018. Ha expuesto de manera individual y colectiva en muestras como Uno entre millones, Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC, CDMX; Blue Noise Spectrum, Erarta Museum, San Petersburgo; México Bárbaro, Sala de Arte Público Siqueiros, CDMX; La importancia de ser autosuficiente, Proyectos Monclova, CDMX; Fútbol y Arte: Esa misma emoción, Museo Jumex, CDMX; Parasitage: Ruidos Negros, Museo de Arte Carrillo Gil, CDMX.
Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.
ENG: Néstor Jiménez is a visual artist and a graduate of the Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda.” His work explores the relationship between processes of historical and political memory construction through exercises in memory, reconstructed actions, and invented versions of historical events. He creates paintings on reclaimed and residual materials sourced from working-class housing, presenting distorted versions of the architecture and landscape of the area as points of departure for reflecting on the political function of the representation of territory, as well as the different ways in which structural violence is represented. His practice primarily encompasses painting, drawing, video, and installation.
He has participated in national and international biennials, including the 15th FEMSA Biennial, the 16th Lyon Biennale, and the 14th Havana Biennial, and has been a recipient of the sixth edition of the BBVA Bancomer-MACG Program, Jóvenes Creadores FONCA 2020-2021, 2011-2012, and 2015-2016, and PECDA CDMX 2018. He has exhibited individually and collectively in exhibitions such as Uno entre millones at the Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), Mexico City; Blue Noise Spectrum at the Erarta Museum, St. Petersburg; México Bárbaro at the Sala de Arte Público Siqueiros, Mexico City; La importancia de ser autosuficiente at Proyectos Monclova, Mexico City; Fútbol y Arte: Esa misma emoción at Museo Jumex, Mexico City; and Parasitage: Ruidos Negros at the Museo de Arte Carrillo Gil, Mexico City.
He is currently a member of Mexico’s Sistema Nacional de Creadores de Arte.
Sbethlanna González
El reclamo de las aves, 2022
Video
17:18 minutes
Courtesy of the artist
→ Sbethlanna González Artist Bio
SPAN: Sbethlanna González nació en Ciudad de México en 1992. Su principal interés radica en el impacto del desarrollo tecnológico en la vida cotidiana y en la manera en la que nos relacionamos con el tiempo. En su producción reciente explora las aplicaciones de la energía atómica y de los elementos radiactivos en objetos de uso doméstico y comercial, así como en la agricultura y en sus representaciones en los medios de comunicación masiva. Utiliza la ficción para explorar cómo los grandes acontecimientos científicos han afectado nuestras expectativas del futuro, haciendo énfasis en los aspectos invisibilizados por cuestiones tanto de clase como de género.
Sbethlanna también cuestiona las narrativas antropocéntricas propias del siglo XX, preguntándose constantemente por los seres vivos no humanos, que muchas veces son los protagonistas de sus obras. Sus exploraciones en cerámica y pintura están relacionadas con el papel de la mano de obra femenina y artesanal en los procesos industriales. La artista se apropia de imágenes audiovisuales y de archivo para explorar las interpretaciones políticas del imaginario colectivo y las tensiones en torno a cómo se construye la memoria.
ENG: Sbethlanna González was born in Mexico City in 1992. Her primary interest lies in the impact of technological development on everyday life and in the ways we relate to time. In her recent work, she explores the applications of atomic energy and radioactive elements in domestic and commercial objects, as well as in agriculture and in their representations in mass media. She uses fiction to examine how major scientific developments have shaped our expectations of the future, emphasizing aspects that have been rendered invisible by issues of both class and gender. Sbethlanna also questions the anthropocentric narratives characteristic of the twentieth century, continually turning her attention to nonhuman living beings, which often become the protagonists of her works. Her explorations in ceramics and painting are related to the role of female and artisanal labor in industrial processes. The artist appropriates audiovisual and archival images to explore the political interpretations of the collective imagination and the tensions surrounding how memory is constructed.
Fernando Gress Muñoz y Alicia Valladares
Quema de obra nacional, 2024
Performance action
iPhone video streamed on Instagram
23:13 minutes
Courtesy of the artists
→ Fernando Gress Muñoz y Alicia Valladares Artist Bio
SPAN: Fernando Gress Muñoz (Atotonilco el Grande, Hidalgo, 1997) es un artista autodidacta que trabaja principalmente con escultura, dibujo, pintura y medios alternativos. Vivió en Florida, Estados Unidos, hasta los quince años, una experiencia que influyó en sus referentes artísticos y en su estética visual. Dentro de su práctica incorpora el uso de materiales encontrados y reciclados, destacando la copia y el plagio desde el cinismo y el consumismo propios del mundo del arte contemporáneo. Ha realizado prácticas profesionales en el Museo de la Ciudad de Querétaro y también ha impartido talleres en el Museo Jumex.
Ha participado en exposiciones nacionales como “El fin de lo maravilloso” (Museo Universitario del Chopo, 2023) y “Granja” (Museo de Arte de Zapopan, 2024). En la edición de 2024 de los Premios Gorrita Azul, recibió, junto con Alicia Valladares, el premio a la mejor exposición colectiva por “Buenas Intenciones”. Gress Muñoz es el fundador del proyecto bexpo en Instagram (@bexp0), un proyecto que organiza y gestiona exposiciones itinerantes y eventos en sedes tanto físicas como digitales, en torno a la colaboración y al intercambio de posturas entre distintas generaciones, desde 2019. Vive y trabaja en Ciudad de México desde 2021.
Alicia Valladares (Querétaro, México, 1997) es artista visual y gestora cultural con sede en la Ciudad de México. Es licenciada en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (2017–2021), donde obtuvo excelencia académica. Realizó prácticas profesionales en el Museo de Arte Moderno (MAM) y cuenta con formación complementaria en Negocios del Arte por la Universidad Iberoamericana, así como un diplomado en Creación Literaria por el Colegio de Escritores de Latinoamérica.
En 2021, fundó Sucesiva, plataforma y proyecto independiente enfocado en artistas emergentes y de mediana carrera, desde donde ha desarrollado proyectos curatoriales y de gestión cultural. Ese mismo año formó parte del programa de residencias en Proyectos Multipropósito. Su trabajo ha sido exhibido en diversos espacios en México y el extranjero, incluyendo el Museo Universitario del Chopo, el Museo de Arte de Zapopan, así como galerías y espacios independientes en Berlín, Moscú, Bogotá y Kansas City.
Ha participado en exposiciones colectivas como “El fin de lo maravilloso” (Museo Universitario del Chopo), “Nuevo contrato estético” (Galería Peana) y “Pixel Perspektiven” (Schaufenster, Berlín), entre otras. En 2024 fue galardonada en los Premios Gorrita Azul por la mejor exposición colectiva (“Buenas Intenciones”) y ha sido invitada a impartir ponencias y actividades académicas en instituciones como la Universidad del Claustro de Sor Juana y el Museo Universitario del Chopo. Actualmente desarrolla su práctica artística en diálogo con su labor curatorial y de gestión, colaborando con distintos espacios y proyectos a nivel nacional e internacional.
ENG: Fernando Gress Muñoz (Atotonilco el Grande, Hidalgo, 1997) is a self-taught artist who works primarily in sculpture, drawing, painting, and alternative media. He lived in Florida, United States, until the age of fifteen, an experience that influenced his artistic references and visual aesthetic. His practice incorporates found and recycled materials and foregrounds copying and plagiarism through the cynicism and consumerism characteristic of the contemporary art world. He has completed professional internships at the Museo de la Ciudad de Querétaro and has also taught workshops at Museo Jumex.
He has participated in national exhibitions including El fin de lo maravilloso at the Museo Universitario del Chopo in 2023 and Granja at the Museo de Arte de Zapopan in 2024. At the 2024 Premios Gorrita Azul, he and Alicia Valladares received the award for best group exhibition for Buenas Intenciones. Gress Muñoz is the founder of bexpo on Instagram (@bexp0), a project that has organized and managed traveling exhibitions and events in both physical and digital venues since 2019. The project centers on collaboration and the exchange of perspectives among different generations. He has lived and worked in Mexico City since 2021.
Alicia Valladares (Querétaro, Mexico, 1997) is a visual artist and cultural manager based in Mexico City. She holds a degree in Visual Arts from the Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (2017–2021), where she graduated with academic distinction. She completed professional internships at the Museo de Arte Moderno (MAM) and pursued additional studies in Art Business at Universidad Iberoamericana, as well as a diploma in Creative Writing from the Colegio de Escritores de Latinoamérica.
In 2021, she founded Sucesiva, an independent platform and project focused on emerging and mid-career artists, through which she has developed curatorial and cultural-management projects. That same year, she participated in the residency program at Proyectos Multipropósito. Her work has been exhibited in a range of institutions and independent spaces in Mexico and abroad, including the Museo Universitario del Chopo, the Museo de Arte de Zapopan, and galleries and independent venues in Berlin, Moscow, Bogotá, and Kansas City.
She has participated in group exhibitions including El fin de lo maravilloso at the Museo Universitario del Chopo, Nuevo contrato estético at Galería Peana, and Pixel Perspektiven at Schaufenster in Berlin, among others. In 2024, she received the Premios Gorrita Azul award for best group exhibition for Buenas Intenciones. She has also been invited to deliver lectures and participate in academic activities at institutions including the Universidad del Claustro de Sor Juana and the Museo Universitario del Chopo. She currently develops her artistic practice in dialogue with her curatorial and cultural-management work, collaborating with a range of spaces and projects nationally and internationally.
October- Territories
- Featuring Eblin Grueso, Julieth Morales, and Ana Hernández
Eblin Grueso
Resistiendo, 2019
Video performance
Audiovisual production: María E. Escobar, Jorge Carabalí, and Eblin Grueso
Participants: Estiven Vidal, Anny Grueso, and Elkin Grueso
15 minutes 6 seconds
Courtesy of the artist
→ Eblin Grueso Artist Bio
SPAN: Eblin Joban Grueso Cuero nació en Santa María de Timbiquí, Cauca, en 1994. Es artista plástico, docente y gestor cultural. Su práctica artística se ha desarrollado a partir de la experimentación con diversos medios y formas de expresión, lo que le ha permitido explorar un amplio rango de temáticas que van desde la cultura ancestral hasta los desafíos sociales y medioambientales contemporáneos. Su obra está marcada por una búsqueda constante de innovación, siempre enraizada en su identidad cultural afrocolombiana. El cuerpo, entendido como el primer territorio de resistencia, funciona en su trabajo como contenedor de memoria y como agente de reflexión sobre las historias y experiencias que atraviesan su trayectoria personal y artística. En su proceso creativo se ha interesado particularmente por las formas en que el capitalismo, a través de fenómenos como la minería y la presencia de actores armados, ha afectado el entorno, la vida y las costumbres de su comunidad natal, Santa María de Timbiquí.
La memoria, el cuerpo, la violencia y la resistencia son ejes fundamentales de su trabajo, que aborda a través del performance, la escultura, la fotografía, el canto, la gráfica y la instalación. Su investigación artística busca comprender el mundo que lo rodea y establecer relaciones entre contextos distintos al suyo, con el propósito de evidenciar situaciones que ha vivido en su territorio y que también se manifiestan en otros lugares. Ha sido ganador del Primer Salón de Arte Universitario en Bogotá y, en 2024, del Premio Sara Modiano. Formó parte del equipo curatorial de la versión 47 del Salón Nacional de Artistas, KAUKA, Asamblea de mundos posibles. Su obra ha sido expuesta en distintos espacios a nivel nacional e internacional.
ENG: Eblin Joban Grueso Cuero was born in Santa María de Timbiquí, Cauca, in 1994. He is a visual artist, educator, and cultural organizer. His artistic practice has developed through experimentation with a wide range of media and forms of expression, allowing him to explore subjects ranging from ancestral culture to contemporary social and environmental issues. While remaining deeply rooted in his Afro-Colombian cultural identity, his work is marked by a constant search for innovation. In his work, the body, understood as the first territory of resistance, functions as both a vessel of memory and an agent of reflection on the histories and experiences that are part of his personal and artistic trajectory. His creative practice has focused in particular on the ways capitalism, through phenomena such as mining and the presence of armed groups, has affected the environment, daily life, and customs of his home community of Santa María de Timbiquí.
Memory, the body, violence, and resistance are central to his work, which he explores through performance, sculpture, photography, singing, printmaking, and installation. His artistic research seeks to understand the world around him and to establish connections between contexts different from his own, with the aim of highlighting situations experienced in his territory that are also manifested elsewhere. He was a winner of the Primer Salón de Arte Universitario in Bogotá and, in 2024, the Premio Sara Modiano. He was also a member of the curatorial team for the 47th Salón Nacional de Artistas, KAUKA, Asamblea de mundos posibles. His work has been exhibited at venues in Colombia and internationally.
→ Insights from the Artist
SPAN: Resistiendo propone una reflexión sensible sobre el desplazamiento entendido no solo como una pérdida, sino también como un acto de resistencia, dolor y persistencia del arraigo territorial. En esta acción, el cuerpo se convierte en territorio vivo: un espacio donde se inscriben las memorias, las ausencias y las huellas de aquello que ha quedado atrás. Cuando un cuerpo es forzado a desplazarse, no solo abandona un lugar físico o a sus seres queridos; también se fracturan prácticas cotidianas, saberes ancestrales, formas de alimentarse y modos de relacionarse con el entorno. El desplazamiento implica una ruptura profunda con el mundo conocido que sume al sujeto en una incertidumbre radical: no se sabe con certeza hacia dónde se va, ni si se logrará llegar con vida a ese lugar que apenas se imagina como refugio.
A partir del poema “Porque me voy” de Elena Hinestroza, cuya voz evoca la experiencia íntima de abandonar su tierra natal, intento visibilizar el impacto humano y simbólico de los desplazamientos forzados, especialmente en contextos atravesados por la violencia y la exclusión. La performance inicia en mi casa, en el Distrito de Aguablanca, y tiene como destino el Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali, en un recorrido de aproximadamente cuatro horas. Durante este trayecto, cargo sobre mi espalda un bulto de tierra, cuyo peso encarna tanto la carga física del territorio como el peso emocional de la memoria. A medida que avanzo, la tierra se va desprendiendo lentamente, trazando un rastro continuo de inicio a fin, como una huella efímera pero significativa del trayecto.
En este gesto, el cuerpo resiste, pero también se transforma: el peso que lo oprime comienza a disolverse a través del canto, acción que introduce una dimensión poética y reparadora. La voz emerge como un acto de afirmación vital, una forma de sostenerse en medio del desgaste y del desarraigo y de reinscribir, incluso en la pérdida, una posibilidad de existencia.
—Eblin Grueso
ENG: Resistiendo offers a sensitive reflection on displacement understood not only as an experience of loss, but also as one of resistance, pain, and the enduring sense of rootedness in one’s territory. In this performance, the body becomes a living territory: a space inscribed with memories, absences, and the traces of what has been left behind. When a person is forced to leave, they leave behind not only a physical place or loved ones; everyday practices, ancestral knowledge, eating habits, and ways of relating to their surroundings are also fractured. Displacement creates a profound rupture with the familiar world, placing the individual in a state of radical uncertainty: without knowing for certain where they are going or whether they will survive the journey toward a place that can barely be imagined as a refuge.
Building on Elena Hinestroza’s poem “Porque me voy,” whose voice evokes the intimate experience of leaving one’s homeland, I seek to make visible the human and symbolic impact of forced displacement, particularly within contexts shaped by violence and exclusion. The performance begins at my home in Cali’s Aguablanca District and ends at the Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali, following a route of approximately four hours. During the journey, I carry a sack of earth on my back, whose weight embodies both the physical burden of territory and the emotional weight of memory. As I move forward, the earth slowly spills from the sack, leaving a continuous trail from beginning to end, like an ephemeral yet meaningful trace of the journey.
Through this gesture, the body resists, but it is also transformed: the weight that oppresses it gradually begins to dissolve through singing, an action that introduces a poetic and reparative dimension. The voice emerges as an affirmation of life, a way of sustaining oneself through exhaustion and uprooting and of reinscribing, even within loss, a possibility for existence.
—Eblin Grueso
Julieth Morales
Resistencia II, 2019
Video performance (four-channel video)
19 minutes 38 seconds
Courtesy of the artist and Espacio El Dorado
→ Julieth Morales Artist Bio
SPAN: Julieth Morales Aranda (Cauca, 1992; Comunidad Misak) es una artista visual y performer indígena del pueblo Misak. Su práctica interdisciplinaria abarca performance, video, fotografía, serigrafía, tejido e instalación. En su trabajo explora la intersección entre género, identidad y etnicidad, usando su propio cuerpo para resignificar las tradiciones Misak desde una perspectiva contemporánea.
En 2025 presentó Namui nu pirꝋ [Nuestro territorio] en el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), ganó la Residencia Cité Internationale des Arts de París, otorgada por el Ministerio de Cultura de Colombia, y se publicó Destejedora de Carlos Rojas Cocoma, la primera monografía dedicada a su trabajo. En 2023 fue invitada a la residencia Apuntes para un tiempo aparte del Museo Reina Sofía (Madrid) y a la Residencia Artística de la Universidad Massey (Nueva Zelanda). En 2022 obtuvo mención especial en el Salón de Arte Joven Colsanitas y en 2019 recibió el Premio Sara Modiano para Artistas Emergentes.
Ha expuesto individualmente en el Museo La Tertulia (Cali), el Museo de América (Madrid) y la Universidad del Cauca, y participado en muestras colectivas en el Centro de Arte Contemporáneo Inhotim (Brasil), el MAC Panamá, el Museo del Banco de la República, el Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM), entre otros. Estudió Artes Plásticas en la Universidad del Cauca y vive entre el Resguardo de Guambía y Popayán.
ENG: Julieth Morales Aranda (Cauca, 1992; Comunidad Misak) is an Indigenous visual and performance artist from the Misak people. Her interdisciplinary practice includes performance, video, photography, screen printing, weaving, and installation. Her work explores the intersections of gender, identity, and ethnicity, using her own body to reframe and give new meaning to Misak traditions from a contemporary perspective.
In 2025, she presented Namui nu pirꝋ [Nuestro territorio] at the Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) and was awarded the Residencia Cité Internationale des Arts de París by the Ministerio de Cultura de Colombia. That same year, Destejedora, by Carlos Rojas Cocoma, the first monograph dedicated to her work, was published. In 2023, she was invited to participate in the residency Apuntes para un tiempo aparte at the Museo Reina Sofía in Madrid and the Residencia Artística at Massey University in New Zealand. In 2022, she received a special mention at the Salón de Arte Joven Colsanitas, and in 2019, she received the Premio Sara Modiano para Artistas Emergentes.
She has presented solo exhibitions at the Museo La Tertulia in Cali, the Museo de América in Madrid, and the Universidad del Cauca, and has participated in group exhibitions at the Centro de Arte Contemporáneo Inhotim in Brazil, MAC Panamá, the Museo del Banco de la República, and the Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM), among others. She studied Fine Arts at the Universidad del Cauca and lives between the Resguardo de Guambía and Popayán.
→ Insights from the Artist
SPAN: Dentro de nuestros rituales en cada cambio de nuestras vidas, existe el ritual del matrimonio, es un acto acompañado por creencias católicas y tradicionales. Cuando la pareja de novios se casa es necesario que después del consejo, en horas de la madrugada la pareja realice la danza de las cuatro canciones de flauta y tambor, en el acto de la danza desde la antigüedad ha servido para medir la resistencia de los nuevos novios, pero a pesar de ser una medida para la pareja, sigue siendo una exigencia hacia la mujer, en ella recae la mirada de hombres y las mujeres casadas quienes podrían señalarla de no ser una buena mujer, una mujer que no aguanta nada, si no completa las cuatro canciones.
Por eso Resistencia II ha sido la motivación para convocar a las mujeres vecinas de mi comunidad, buscando espacios donde las mujeres podamos sentir el cuerpo y sentirlos unidos en una sola acción, en oposición a la danza del matrimonio donde por medio de este baile se mide la resistencia de la mujer, ahí es donde tomo la exigencia de resistir el cuerpo para preguntarnos, cuáles son las razones por las que debemos resistir como mujeres autónomas indígenas en este contexto.
—Julieth Morales
ENG: Among the rituals that mark important transitions in our lives is marriage, an act shaped by both Catholic and traditional beliefs. After receiving counsel, newly married couples are expected to perform a dance in the early hours of the morning, accompanied by four songs played on flute and drum. Historically, this dance has served as a test of the couple’s endurance. Although both partners perform the dance, the burden of this requirement continues to fall primarily on the woman. She is watched and judged by men and married women, who may question whether she is a “good woman” or see her as someone unable to endure hardship if she cannot complete all four songs.
Resistencia II grew out of my desire to bring together women who are neighbors in my community and to create spaces where we could experience our bodies and feel them come together through a shared action. The work positions itself in opposition to the marriage dance and, in particular, the way in which a woman’s endurance is measured through this ritual. Taking this demand for bodily endurance as a point of departure, the work asks: Why are we, as autonomous Indigenous women, expected to endure within this context?
—Julieth Morales
Ana Hernández
LADI BEÑE, 2024-25
HD video
3 minutes 25 seconds
Courtesy of the artist and Campeche
→ Ana Hernández Artist Bio
SPAN: Ana Hernández (Santo Domingo Tehuantepec, Oaxaca, 1991) es una artista visual mexicana. Egresada de la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca, de las Clínicas de Especialización en Arte Contemporáneo CEACO, parte de su formación la recibió del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO).
Su amplia producción de obra abarca diversas técnicas que van desde la serigrafía hasta la talla en madera, e involucra lenguajes sonoros, textiles y visuales tradicionales del Istmo de Tehuantepec. La artista aborda temas como la migración, la lengua y la familia, a partir de intereses personales que se trasladan al intercambio de saberes de la comunidad. La obra de Ana Hernández representa una reivindicación del arte desde los pueblos originarios y su reflejo contemporáneo.
Recientemente, presentó las exposiciones individuales LADI BEÑE en Campeche, Ciudad de México, 2025 y Ná’ Reza en el Laboratorio Arte Alameda, Ciudad de México, 2025. Ha participado en exposiciones colectivas entre las que destacan la 15 Bienal FEMSA, La voz de la montaña en el Museo Regional Alhóndiga de Granaditas Guanajuato, México, Histórias Indígenas en Museu de Arte de São Paulo, São Paulo, Brasil, Disrupciones Indígenas. Arte de los Pueblos de México en el Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México, México, Los huecos del agua. Arte Actual de Pueblos Originarios en el Museo Universitario del Chopo, Ciudad de México, México y en el Museo Amparo, Puebla, México. En noviembre de este año participará en la Bienal de Yucatán, México, bajo la dirección artística de Abraham Cruzvillegas.
Sus obras y proyectos han sido publicados en medios como Harper’s Bazar ART, El País, La Jornada, así como en la publicación Histórias indígenas, editado por el Museu de Arte de São Paulo y Los Huecos del Agua, editada por el Museo Universitario del Chopo.
ENG: Ana Hernández (Santo Domingo Tehuantepec, Oaxaca, 1991) is a Mexican visual artist. She graduated from the Escuela de Bellas Artes de Oaxaca and the Clínicas de Especialización en Arte Contemporáneo (CEACO), and received part of her training at the Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO).
Her body of work encompasses a wide range of techniques, from silkscreen printing to wood carving, and involves traditional sound, textile, and visual languages of the Isthmus of Tehuantepec. The artist addresses themes such as migration, language, and family, stemming from personal interests that draw from the exchange of knowledge within the community. Ana Hernández’s work represents a vindication of the art of the original peoples and its contemporary reflection.
Her latest solo shows were LADI BEÑE, presented at Campeche, Mexico City, in 2025, and Ná’ Reza at the Laboratorio Arte Alameda, Mexico City, in 2025. She has participated in group exhibitions including the 15th Bienal FEMSA, La voz de la montaña at the Museo Regional Alhóndiga de Granaditas in Guanajuato, Mexico, Histórias Indígenas at the Museu de Arte de São Paulo, São Paulo, Brazil, Disrupciones Indígenas. Arte de los Pueblos de México at the Palacio de Bellas Artes, Mexico City, Mexico, and Los huecos del agua. Arte Actual de Pueblos Originarios at the Museo Universitario del Chopo, Mexico City, Mexico, and the Museo Amparo, Puebla, Mexico. This November, she will participate in the Bienal de Yucatán, Mexico, under the artistic direction of Abraham Cruzvillegas.
Her works and projects have been published in media such as Harper’s Bazar ART, El País, and La Jornada, as well as in the publication Histórias indígenas, edited by the Museu de Arte de São Paulo, and Los Huecos del Agua, edited by the Museo Universitario del Chopo.
→ Insights from the Artist
SPAN: En este video-performance, Ana Hernández escenifica el baile tradicional del “Son del Pescado” en un charco de lodo. Esta danza ritual prehispánica narra la historia de unos pescadores que buscan capturar un pez sierra, el cual es considerado por los Binnizá (zapotecas) del Istmo de Tehuantepec (Oaxaca, México), como el “creador del primer día”. Ejecutada exclusivamente por hombres a lo largo de la historia, esta danza simboliza uno de los mitos de origen Binnizá, relacionado en la tradición oral con la creación, los dioses y los primeros hombres y mujeres.
“Tengo tiempo pensando mucho en el lodo, me interesa esta mezcla de dos elementos que siempre ha estado ligada a lo putrefacto. Lo relaciono con la idea que se tiene en muchos casos sobre los pueblos originarios: nadie quiere mancharse de lodo. Sin embargo, el lodo es el resultado de la unión entre agua y tierra, y ha sido utilizado a lo largo de la historia para un sinfín de cosas, como construir una casa, un horno, un plato, limpiar impurezas del cuerpo, o incluso como alimento para las embarazadas. En los juegos primarios de la infancia, los niños juegan con lodo, y la contraparte de todo esto en mi historia familiar, es que la última vez que mi mamá cruzó la frontera, terminó llena de lodo en el estacionamiento de un mall en Texas”.
—Ana Hernández
ENG: In this video performance, Ana Hernández stages the traditional dance known as the Son del Pescado in a mud puddle. This pre-Hispanic ritual dance tells the story of fishermen attempting to capture a sawfish, considered by the Binnizá (Zapotec people) of the Isthmus of Tehuantepec (Oaxaca, Mexico) to be the “creator of the first day.” Historically performed only by men, the dance symbolizes one of the Binnizá origin myths, connected through oral tradition to creation, the gods, and the first men and women.
“I have been thinking about mud for a long time. I am interested in this mixture of two elements that has long been associated with putrefaction. I connect this with the way Indigenous peoples are often perceived: no one wants to get covered in mud. And yet mud is the result of the union of water and earth, and throughout history it has been used for countless purposes: to build houses and ovens, to make plates, to cleanse impurities from the body, or even as food for pregnant women. In early childhood, children play with mud. The counterpart to all of this, in my family history, is that the last time my mother crossed the border, she ended up covered in mud in the parking lot of a mall in Texas.”
—Ana Hernández
November – Tracing Reinvention
- Andres Quintero
- “Viaje a la luna con olor a oveja”
- Isadora Soares Belletti
- “Do you see her?”
- Felipe Lozano
December – Not so Natural
- Wendy Cabrera Rubio
- “Resurrecting the Past: Animality and Chemical Ethics”
- Ivana de Vivanco
- “La Yegua de Santiago”
- Lucas Lugarinho
- “Ghost Rococó”